エヴァンゲリヲン新劇場版：破

"Rebuild of Evangelion:2.0 YOU CAN (NOT) ADVANCE"

"エヴァンゲリヲン新劇場版：破"

I went to a cinema to see "Rebuild of Evangelion 2.0 YOU CAN (NOT) ADVANCE" on Saturday.

As everyone knows, Anime and Manga are Japanese contemporary cultures known by people in foreign countries.

At first I would like to explain about one of my favorite manga that is called "Jojo's Bizarre Adventure" written by Hirohiko Araki. I think we can learn how to face life with courage and a lot of guiding philosophy by this manga. I'm sure we should read Jojo instead of a boring book about how to make a good life or something like that.

As I explained about Jojo, in the recent movie of Evangelion, we can simply feel how important will to achieve and compassion for others are.  The time line is approximately same as the last Evangelion but Shinji, Rei and Asuka have changed their mentalities. And also fighting scenes are very exciting. That is very recognizable change and it makes the movie very nice entertainment one.

After seeing this movie, you might take care feeling of others.

I would like to see it again.

Very fantastic movie.

嵐のような忙しさが一段落したので、土曜日に「エヴァンゲリヲン新劇場版：破」を見てきました。

皆さんご存知のように、アニメや漫画は日本のお家芸としてもはや海外でも認知されている芸術文化の一つです。

僕は「ジョジョの奇妙な冒険」が大好きなのですが、この漫画を読むだけで人生に立ち向かっていく勇気というか、意気込みというか、意志みたいなものが脳細胞に直撃するわけです。エンターテイメントとしても超一級品ですし、下手な人生哲学書を読むよりジョジョ読めばといった感じです。

前置きが長くなりましたが、今回のエヴァはこのような自分の意志を貫く心意気とか人に対する思いやり等が非常にわかりやすく描かれており、脳細胞に直撃しやすい仕上がりになっています。時間軸は旧作とほぼ同じなのですが、（旧作後の世界ではないかとの読みもありますが）シンジ、レイ、アスカの成長したメンタリティが一番の見所だと思います。そしてド迫力の戦闘シーンも見ていて楽しいです。

エヴァンゲリオンはなんだかよく分からないという人も単純に楽しめますし、この映画を見終わった後、人に優しく、自分に厳しく、ほんのちょっとでもなると思います。

久しぶりにもう一度見たいと思う映画でした。

Mamoru Oshii / The Sky Crawlers

"Mamoru Oshii / The Sky Crawlers"

"押井守 / スカイ・クロラ"

Director : Mamoru Oshii

Original story : Hiroshi Mori

Script : Chihiro Ito

Cast : Ryo Kase, Rinko Kikuchi, Chiaki Kuriyama, Shosuke Tanihara

I felt like seeing an animation film for no special reason so I rented  The Sky Crawlers from TSUTAYA (DVD rental shop).

The director Mamoru Oshii gave a kind of message to young people who felt it difficult to find a reason to live. I do like this kind of film that describes fantasy but contains a message that is applicable to the present day.

The story, picture and music make the atmosphere of the film a little between asleep and awake, dream and reality...

As he said, these are the representations of metaphors for sense of stagnation to society and in a sense I felt the atmosphere was very beautiful.

I shouldn't explain which scene is good or bad because you can feel something from the whole story and atmosphere. So just see it.

But the one thing that I want to say is you should check what Yuich (main character) is going to do in the last scene and what is changed after that.

You can feel the message from Mamoru Oshii.

監督 : 押井守

原作 : 森博嗣

脚本 : 伊藤ちひろ

出演 : 加瀬亮、菊地凛子、栗山千明、谷原章介

なぜだか 無性にアニメが見たくなり、直感でツタヤで借りてきて見ました。

押井監督は豊かな社会の中で、生きることの意味を見つけづらくなった若者へのメッセージを、作品に込めたそうで、空想を描きつつも現代に通じるメッセージが込められているという点で僕の好みです。

ストーリー、絵や音楽、世界観は靄がかかったような、夢の中のような、なんともまったりとした感じです。監督の言葉通り、これらは現代に漂っている閉塞感のようなものをメタファーとして表現しており、ある意味、美しい作品だと感じました。

この映画はある場面を取り出していちいち言葉で説明する感じではなく、全体を見て、個々人の視点で現代社会や自分が抱える問題との接点を感じる作品だと思うのでとりあえず見たら良いと思います。

しかししいて言うなら、最後に主人公函南優一がどういった行動に出るか。そしてその行動で何が変わったのか。

押井監督から若者へのメッセージが込められています。

小津安二郎 / 東京物語

"Tokyo Story"

"東京物語"

Director : Yasujiro Ozu

監督 : 小津安二郎

I mentioned a camera work that was similar to Yasujiro Ozu's style seen in "Hito no sex wo warauna" last but one.

But I was wondering why the director (of "Hito no sex wo warauna") used it.

Because I think it should be used with a link between the effect and what the director want to describe in the movie.

So I watched "Tokyo Story" directed by Yasujiro Ozu in order to know his intention and reason why he used it originally.

When I finished watching it, I thought he didn't make a big scene at all.

The story is very simple. Grandparents living in Onomich visit their son living in Tokyo. That's all.

All the scenes consist of what everyone has already experienced. About very usual scene.

So...  in the case of no story in a movie, which point should we pay attention to??

"camera work"

I think how he shoot the movie may give us an answer. 

In the movie, there seem to be two prominent types of the camera work. One shoots certain composition from a bit far point of view with stable camera and the other one shoots only a face and an upper body of an actor.

The former one is what I explained last but one and I analyzed it and found two effects that are ingenerated by it.

1.To ingenerate a sense of reality as if we were also in the scene.

2.To ingenerate a sense of tension between stable composition and unstable acting, distant view and close view.  

These effects help to let us pay attention to "other than a story".

I suppose "other than a story" is a behavior or feeling of actors. He focuses on basic humanity.

All generation (children, parents, grandparents) appear in the movie and  he shot a conflict between children and parents, parents and grandparents with stable camera.

By watching the scenes we can feel as if we were there and observed what human tend to behave and feel in normal life.

What he wanted to describe by shooting a movie gives a reason to this camera work.

His intention is to describe humanity.

前々回、「人のセックスを笑うな」に見られる小津安二郎的カメラワークについて書いたのですが、その手法を用いる必然性があるのか、ふと疑問に思いました。独特の間ができるけど、それが表現したい内容とリンクしてこそ意味があるのではないかということです。ということで例のカメラワークを用いることの意味というか意図を考えてみたいと思い、小津安二郎の東京物語を見ました。

まず率直な感想ですが、この映画にはストーリー的な見せ場が全くないということです。尾道から息子を訪ねて両親が東京にやってくる。というだけで、展開されているのは誰もが経験しそうな日常のシーンの連続です。

では、このようなストーリー的に何もない映画ではいったい何を見るべきなのでしょうか。

そこで考えなければならないのがカメラワークです。映画の中では、固定カメラを用いて少し引いた視点で場面を切り取る構図と台詞を言う俳優を極端にアップにした構図が多く見られます。前者が、前々回説明した小津的カメラワークですが、その効果は以下の二つではないかということでした。

1.鑑賞者もそこに立ち会っているような妙なリアルさが生まれる。

2.静的な構図と動的な演技、遠景と近景などの対比が発生し、緊張感が生まれる。

この効果は、まさに”ストーリー以外”の部分に鑑賞者の焦点を引きつけるのに役立っていると思います。

その”ストーリー以外”の部分とは日常の風景に映し出される人間のしぐさや振る舞い、感情などです。

老夫婦とその子供夫婦、そして孫まで、一通りの世代がこの映画に登場するのですが、孫が子供夫婦に反抗したり、子供夫婦がその親である老夫婦を煙たく思ったりと、非常に典型的な振る舞いを、小津の静かなカメラがとらえています。余計な演出をそぎ落とし、風景を切り取った構図を見ていると、あたかも家族のやりとりを少し離れた場所から常に観察しているような感覚が得られます。

人間そのものを描写したいという小津の意図がこの手法に確かな意味を与えています。

"人のセックスを笑うな"に見る小津安二郎的表現

"Hito no sex wo warauna"

"人のセックスを笑うな"

Director : Nami Iguchi

Original author : Naokora Yamazaki

Cast : Hiromi Nagasaku, Kenichi Matuyama, Yu Aoi

The combination of Maison Martin Margiela and Yasuko Hashimoto reminds me of a movie called "Hito no sex wo warauna". 

It means "don't laugh at other's sex".

Hiromi Nagasaku has a pouch of Maison Martin Margiela and it's not really obvious.

I saw this movie because I wanted to see her fashion styling but the camera work that the director used was more interesting for me.

It can be seen a lot of times in this movie and I think it seems to be Yasujiro Ozu's style.(He is one of the best Japanese movie director.)

Or I can say that it's like Gus Van Sant's style as well.

The camera doesn't move at all for long time and it cuts certain composition from the scene and casts act in this composition.

The effect of this camera work is to make "needlessness" in the movie.

What the casts say and behave have kind of function that conveys its story and what they feel to those who see it.

Due to that, if the director shoots only the line and behavior that are needed to describe how the story is going, there is no room for interpretation.

There is a scene where a huge rice field was shot for a long time (maybe 15 seconds) with stable camera and suddenly a bus that main actress took appeared from the edge of the screen. 

And there is also a scene where a corridor was shot  with stable camera and an actor looked for his teacher.

These scenes could be described "functionally" only by two seconds each I guess.

By this "needlessness", those who see it can feel as if they were in the scene and contrasts between stable composition and unstable acting, distant view and close view.

These contrasts ingenerate kind of a feeling of tension.

That's what I felt from this camera work.

Check it out.

監督：井口奈己

原作：山崎ナオコーラ

出演：永作博美、松山ケンイチ、蒼井優

マルジェラと橋本庸子で思い出したのがこれ。

橋本庸子が衣装のスタイリングをしているのですが、さりげなく永作博美がマルジェらのポーチを持っているのです。本当にさりげなくですが。

スタイリングを見たくて見た映画ですが、カメラワークの方が興味深いと感じました。映画の中の随所に使用されている、小津安二郎的な風景の切り取り方です。これはガスヴァンサント的とも言えると思うのですが。

人をカメラで追うというよりも、カメラを固定し、ある構図で風景を切り取り、その中を人が動き回る。そんな感じでしょうか。

この手法の効果は”無駄が生まれること”にあるのではないかと自分では解釈しています。

登場人物の表情や台詞というのはその人物の感情やストーリーを鑑賞者に伝えるという機能を内包しています。そのため、ストーリー展開に必要な行動や言動のみをカメラで追って、それをつなぎ合わせるような映画だと、見る人による解釈や視点の相違が生まれづらいのではないでしょうか。

わーっと広がった畑の風景がかなりの長い時間映されて、ある時スクリーンの端の方から登場人物が乗ったバスがひょっこり出てくる場面とか、廊下がずっと映されていて、そこを走り回りながら人探しをしている場面とか、その場面を機能的に描写しようとしたらものの二秒とかでいいはずなのです。

その無駄さが鑑賞者もそこに立ち会っているような妙なリアルさを醸し出すと同時に、静的な構図と動的な演技、遠景と近景などの対比を生み出し、なんともいえない緊張感に包まれる。

この無駄な間（時間的にも空間的にも）によって発生する独特の緊張感と、構図の全体をボーと見るのか、部分をじっくり見るのかといった鑑賞者の主体性の両方が生まれることこそこのカメラワークのコアな部分だと思います。

興味ある方是非チェックしてみて下さい。

新世紀エヴァンゲリオン劇場版 THE END OF EVANGELION Air/まごころを、君に

" THE END OF EVANGELION "

"新世紀エヴァンゲリオン劇場版　

THE END OF EVANGELION Air/まごころを、君に"

Director : Hideaki Anno

Character Design : Yoshiyuki Sadamoto 

I'm not going to write about the detail of EVANGELION because you can see a lot of discussions and aspects on the internet.

The director used the story of the Old Testament and the concept "libido and deathtoldo" proposed by Freud and tried to describe the problem of the relationships between myself and others by pretending to make "robot animation". I was so impressed by the fact that he did this experimental project not in small limited let's say area, but in very big commercial area and it gave a big impact to society.

EVANGELION has a very important message that a lot of people forget about recently. 

Think and decide by myself. We can't live alone.

The sub title of THE END OF EVANGELION describes it by the most simple way.

"I NEED YOU"

監督：庵野秀明

キャラクター：貞本義行

エヴァに関しては様々な議論や解釈が溢れているため、あえてここで説明する意味はないので細かいことは省略します。

ただ、旧約聖書のストーリーやフロイトの概念であるリビドー（生への本能）やデストルド（死への本能）を絡めながらロボットアニメ風を装って自己と他者の心の問題に接近していく。そしてこのような実験的なプロジェクトをマニアックな世界で終わらせることなく、広く社会に影響を与え得る戦略をもって商業的にも成功した庵野監督とスタッフの仕事には感動の一言です。

エヴァは現代人が失いつつある大切なスピリットの重要性を訴えかけている気がします。

自分で考え、自分で決めること。そして他者の存在があって初めて自分が存在すること。

この完結編のサブタイトルにエヴァの主題が最も簡潔な形で表現されています。

「まごころを、君に」-I NEED YOU -

溝口健二 / 赤線地帯

"Akasen chitai"

"赤線地帯"

"Ayako Wakao"

"若尾文子"

Title : Akasen chitai 

Director : Kenji Mizoguchi

Actress : Ayako Wakao, Machiko Kyo, Michiyo Kogure, Aiko Mimasu, Hiroko Machida

This is the last work of Kenji Mizoguchi.

He shot how prostitutes struggled to live and work in red-light "Yumenosato" in Yoshihara while prostitution law were under discussion in 1956.

Personally I was surprised the most about how beautiful Ayako Wakao was. I really love the atmosphere she has and I was so impressed by her aura throughout the ages. In real world,she is a wife of an architect Kisho Kurokawa and she was next to him when he became a candidate in national election.

And secondly Kyo Machiko, I payed attention the character "Mikki" she played roll in. 

The character is modeled on a girl who moved from Kobe to Yoshihara so she is so chic rather than the others. Everybody else wear Japanese traditional clothes but only she wears European one. And she lives at her own pace and acts like free man. I guess some people don't like this kind of free man, but for me she seems to have amiable and strong mentality. She always takes care of others and sometimes give them foods or money if they don't have them enough.

You can see other characters who are also struggling to live. I guess how difficult they live in that time is different from the problem we have nowadays but I could feel somehow same kind of feeling from this old film. 

Anyway it is always difficult to live all through the ages.

監督：溝口健二

出演：若尾文子、京マチ子、小暮実千代、三益愛子、町田博子

溝口健二監督の遺作。

1956年、売春禁止法案が国会で審議されている頃の吉原の「夢の里」で働く娼婦達の生き様を描く。

個人的に若尾文子の美しさが一番衝撃的だった。彼女のはなつ独特のオーラに時代をこえて打ちのめされてしまった。建築家の故黒川紀章氏の妻として選挙戦で彼に寄り添っていた女性である。

そして京マチ子。彼女の場合は演じているキャラクターの方に惹き付けられた。彼女が演じたミッキーは、神戸から吉原へやってきたという設定でどこか都会風。他のみんなが和服をきてあくせくと生きている中、ミッキーだけは洋服をさらっと着ていて、言動や行動も非常に自由で、マイペース。それを快く思わない人たちもいるだろうが、僕にはとても素直で力強い女性に見えた。借金しまくっている割には同僚に飯をおごっていたり、太っ腹で器がでかい。娼婦をやめて田舎へ帰る同僚に「むこうでうまくいかなかったら、いつでも帰ってきな」といって餞別をあげていたシーンはこころにぐっときた。

といった感じで今回はストーリーや全体の構成よりキャラクターの方に目がいきました。この二人以外にも時代の狭間でもがきながら生きている人々が描かれています。今の時代の生きづらさとは異なる葛藤だと思いますが、どこか重なる部分を感じました。いつの時代も人は生きるのに必死なのです。

GELATIN SILVER, LOVE

"GELATIN SILVER,LOVE"

"ゼラチンシルバーラブ"

Director : Kazumi Kurigami

Actor : Masatoshi Nagase , Rie Miyazawa , Erina Mizuno , SAYAKA , Yuki Amami , Koji Yakusho

Fashion Styling : Tomoki Sukezane

撮影監督・監督：操上和美

出演：永瀬正敏、宮沢りえ、水野絵梨奈、SAYAKA、天海祐希、役所広司

衣装：祐真朋樹

I saw GELATIN SILVER LOVE at Ginza Theatres Cinema.

I was looking forward to seeing it because of the director Kazumi Kurigami( originally he is a photographer ), the main actress Rie Miyazawa, the fashion stylist Tomoki Sukezane.

I thought he shot this beautiful film as if he took photographs.

I'm sure that he has an image of a woman who are eating an egg sexually before he makes its story definitely.

So the most important character of this film is not like a surprising story. It's more like a collection of a lot of beautiful scenes and details.

I really like his approach to shoot a film because I can feel sense of a photographer in it.

I also like the clothes Rie Miyazawa wears. Sukezane is really good fashion stylist and this is his first work in movie world.

Not only in movie world, I really hope this kind of aesthetic work (not a commercial work) became widespread and inspired us more.

銀座テアトルシネマでゼラチンシルバーラブを観てきました。

操上和美初の監督作品、衣装は祐真朋樹、主演は宮沢りえということでかなり美的感性を刺激する映画ではないかと前から注目していました。

操上さんが美しいと思うシーン、写真として撮りたいと思うシーンを連続させていったら一つの映画になった。そんな印象を受けました。

ストーリーより先に宮沢りえがゆで卵を食べるシーンが先にあったはず。絶対。

だからこの作品は全体の流れが先にあって、シーンのディテールを詰めていった映画ではなく、ディテールの集合で全体ができている映画だと思います。

写真家だからこそとれるアプローチでとても好きです。

宮沢りえが着ていた衣装もすごくよかった。さすが祐真さんです。ちなみに映画では初のスタイリングです。

商業的ではなく、こういった美しさを徹底的に追求した作品が映画に限らずもっと世の中に生まれればと心から思います。

DAVID LYNCH WORLD

"DAVID LYNCH WORLD"

"デイヴィッド・リンチ・ワールド"

You can see it only for three weeks from February 28th to March 20th in RiseX (located in Shibuya).

So I saw it today.

"The best of David Lynch.com"

Short films shot only for David Lynch.com that was a web site made by himself

"Dumbland" 

Eight animations drawn by himself for The best of David Lynch.com

These two movies were on the screen.

It is a big opportunity to see "DAVID LYNCH WORLD" that is conceptual and experimental.

I felt that he tried to experiment with perception of those who see the movie.(for instance "sunset")

At the same time he might give a message criticizing society. (for instance "industrial soudscape") 

I don't wanna explain what I felt in detail.

Feeling and thinking by yourself is essential to see his works.(Even if there is no answer)

You should go and see tomorrow because it's gonna be finished only for three weeks.

You can get more information in CinemaRise

2月28日（土）～3月20日（金）ライズエックスにて3週間限定上映。

ということで見てきました。

「ザ・ベスト・オブ・デイヴィッド・リンチ・ドット・コム」

リンチ自身が立ち上げた会員制サイト“DAVIDLYNCH.COM”のみで発表された短編作品

「ダムランド」

“DAVIDLYNCH.COM”のために自ら画を描いて作った8本のアニメーション

この２つが上映されました。

コンセプチュアルで実験的なまさしく”デイヴィッド・リンチ・ワールド”を垣間みる絶好の機会です。

リンチは映像というメディアで人間の知覚の実験をしているように感じました。

単純に知覚の実験をしているような作品(sunset)から、社会に対するある種の批評性を感じられる作品(industrial soudscape)まで多岐に渡ります。

ここで説明してしまうと知覚の実験にならなくなってしまうので控えます。

自分で感じ、考えることに意義があると思います。(たとえ答えがそこにないとしても)

3週間限定なので明日にでも見に行きましょう。

詳細はシネマライズ